東条碩夫のコンサート日記 2009年6月

　　　　兵庫県立芸術文化センター　（マチネー　２時）

　品川から午前１０時頃の新幹線に乗り、ＪＲと阪急（特急）を乗り継げば、午後１時ちょっと過ぎには西宮北口駅の南口にある兵庫県立芸術文化センターに着く。
　駅からホールに続く回廊では「カルメン」の前奏曲がスピーカーから流れ、「〈佐渡さん人形〉はいかがですか」と女性が呼びかける売店の前には人だかり。この人形は指揮台の底を押すと動く仕掛けになっていて、１個千円、ポスターに「くねくね、さどやん」と書いてあるあたり、いかにも関西のノリだ。聞けば、これもご本人のプロデュースの由。

　６月２５日に幕を開けたこの「カルメン」、西宮で９回、東京で４回、名古屋で２回という具合に、７月２６日まで続く。西宮の公演は「初日と２日目は１０枚くらい残っていたが、あとは完売」だそうだ。相変わらず物凄い人気である。
　また西宮公演は、２回を除きすべてマチネーで、これがかえって集客を盛んにしていると主催者側は言う。今日の公演も補助席が出ての満席。立錐の余地もない盛況だ。

　演出は、ポネルとの共同作業も手がけ、最近はシャンゼリゼ劇場で多く仕事をしているジャン＝ルイ・マルティノーティ。舞台美術はワーグナー・ファンにはおなじみのハンス・シャヴェルノホ（シャヴァーノッホと呼ばれることも多いが）。
　中間２幕では巨大鏡と映像を効果的に使用して観客のイメージを拡げ、特に第３幕では紗幕を利用して、密輸業者たちの場面と、山中へやって来るエスカミッロやミカエラ及び案内人の姿とを交互に浮かび上がらせるところは、アイディアだろう。

　第１幕は前奏曲の途中から幕が開き、ドン・ホセの処刑場面で開始される。ベルリンでのクシェイ演出と同じ手法だが、ただ今回は、このモティーフがその後も展開されるというわけではない。
　第１幕では群集（二期会合唱団、ひょうごプロデュースオペラ合唱団、同児童合唱団）の演技が――一所懸命やっているのは確かだが――どうも野暮ったく作為めいており、演出の手法にも新鮮さが感じられないこともあって、何とも平板に過ぎた。全員の演技のかみ合わせにも「隙間」が多いのである。
　これは当然、演出家の責任だ。

　しかし、第２幕の「ジプシーの歌」がホセの牢獄場面とダブらせた幻想的なシーンに設定され、そして現代のナイトクラブ風のリリアス・パスティアの酒場の場面に変わるといったくだりから、舞台は漸く活気づいて来る。
　特に酒場の主人（ジャン＝ガブリエル・デュピイ）がなかなかに芝居巧者なので、ドラマとしても面白くなる。何によらずこういう脇役がしっかりしていると、舞台がピンと引き締まるのである。

　カルメンを含むジプシー５人の五重唱を、この主人を加え、ちょっとミュージカル風の「舞踊芝居」に仕立てたところなど（ピーター・セラーズがモーツァルトのオペラで昔使ったテではあるが）曲想に合ったコミカルな気分転換手法として面白い。
　それに、エスカミッロ（ジャン＝フランソワ・ラポワント）が、また実に闘牛士らしい姿勢と明朗な歌唱で、すこぶるカッコいいのである。

　カルメン（ステラ・グリゴリアン）も愛らしく、歌唱も明快だ。いわゆる妖艶タイプとは異なるので派手さはないが、佐渡プロデューサーが狙った「性悪女でない、明るく華やかで魅力的な女性」を充分に具現しているだろう。カルメンという複雑な性格を持つ女性の解釈の一つとして、これは興味深いものである。
　これで肝心のドン・ホセ（ルカ・ロンバルド）が、もっとニュアンスの細かい演技と歌い方をしてくれていれば、彼の単純な性格を強調するにしろ、激情に流されやすい気質を表わすにしろ、ドラマがもっと雄弁なものになるはずなのだが――今後の上演で改善できるだろうか。

　第３幕で、ホセとエスカミッロの決闘のシーンがノーカットで演奏されたのには、わが意を得たり、の思いだ。
　もともとこの決闘は長く、音楽も結構ドラマティックなのである。最初の立ち合いではエスカミッロが勝ち、次にはホセが彼の隙を衝いて勝つ。それからカルメンたちが割って入る。これがちゃんと描かれていないと、あとでエスカミッロが「勝負は互角だな」などと大見得を切ることの説明がつかないからである。

　これらを含め、今回の上演はアルコア版を基本とし、そのセリフとギロー編のレシタティーフとをミックスさせた折衷版とでもいうべきものになっている。この選択は概して成功しているだろう。セリフのカットはあるけれど、それは上演時間の問題もあるので致し方ない。

　第４幕では、ここでも群集の動きがまだ練れていないので、むしろ前半では後景で行なわれているエスカミッロの身支度や、マリア像に向かって祈る所作、それに彼に親密に付き添うカルメンがカードの占いを繰り返しては暗い顔をしている姿との対比を見ていた方が面白い。
　群衆が闘牛場の中へ去ったあとも彼女が独り占いを続け、スペードのエースが出た瞬間に「あんたね？」と、ホセの方を見向きもせずに言うくだりの、それが伏線となっているわけだろう。

　メルセデスはソフィー・ポンジクリス、フラスキータを菊地美奈。いずれも好演だが、後者は演技にもう少し肩の力を抜いた方がいいような印象。小原啓楼（レメンダード）と加賀清孝（ダンカイロ）は、もっと演技を工夫されたい。与那城敬（モラレス）は舞台姿も充分だが、今日はなぜかあまり声が伸びなかったか？　
　パワーが充分だったのは、斉木健詞（スニガ）だ。凄味のある声で横柄な上官をよく表現していた。スニガは第２幕最後で殺されるが、最近はこうする演出が多い。

　オーケストラはもちろん兵庫芸術文化センター管弦楽団。佐渡の個性を反映して冒頭の前奏曲から豪勢な演奏を繰り広げた。フルートのソロ（第３幕前奏曲）などはもっと頑張ってもらわなくてはなるまいが、エスカミッロがホセに「あいつ（カルメン）には脱走した兵隊の情人がいたそうだ」と自慢げに噂する個所の木管の演奏には、きわめて美しいものがあった。

　圧倒的に中年女性客の多い客席は、拍手はおとなしいが、みんな愉しんでいたようだ。人気指揮者が人気オペラを制作し指揮することによって、阪神間・兵庫県でオペラがおなじみの「娯楽」になって行くのなら、目出度いことである。
　このシリーズ、暮に「ヘンゼルとグレーテル」、来年夏に「キャンディード」（シャトレ座版、ロバート・カーセン演出）が続くという。
　２幕ずつ続けて演奏され、５時２０分終演。新大阪６時３７分の新幹線で帰京。
　

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２００９・６・２８（日）大植英次指揮
ハノーファー北ドイツ放送フィルハーモニー日本最終公演
マーラー「交響曲第９番」

　　サントリーホール
　　　　　　　
　先頃の大阪フィルとの「５番」（２月１７日）以来、大植のマーラーを聴く時には「どのくらい遅いテンポで指揮するか」に興味を持つという――以前には考えられなかったことだ――おかしな心理状態になってしまった。
　彼の話によれば、あの時には彼の御母堂の病気のこともあって特別なものになったということだが、しかし今日の「９番」のテンポも、やはり相当遅い方だ。
　時計をちゃんと見ていなかったので正確な演奏時間は判らないが、総計９６分くらいかかっていたのでは？　楽章間の休み計３分ほどを差し引いても、９３分くらいになる。並みの演奏より１０分は長い勘定だ。

　かなり遅いテンポだったのは中間２楽章。それに対し両端楽章は「遅めのテンポ」という程度だったであろう。
　しかし、物理的には遅いテンポでも、実際にはさほど遅さを意識させなかった、というのが、今日の演奏の最大の特徴である。演奏に緊張度が失われず、弛緩が皆無であれば、かりにいくら遅いテンポであっても、音楽は充分に成り立つものだ。大植と北ドイツ放送フィルは、それを可能にしていたのである。

　特に第３楽章は、ふつうはマーラーの「躁状態」を反映するような狂乱一辺倒の演奏になることが多いのだが、今日の大植の指揮は――何と言い表したらいいか言葉が見つからないが――もっと重々しく厳めしい表情の、しかもその中に皮肉で不気味な薄笑いを漂わせているマーラーが浮かび上がって来るような、何とも怪奇な世界を創り出していた。このテンポは、風変わりなものではあったが、不思議に納得が行く。
　このような個性的な大植の解釈を、柔軟に自在に、しかも生気に満ちて演奏に反映する北ドイツ放送フィルの実力も、すでに卓越したものである。

　思えばこのオケが初めて彼とともに日本に来た時、それはいかにもドイツのローカル・オケといった雰囲気で、良くも悪くもくすんだ実直な響きを持っていた。しかし、今やこのオーケストラは、重厚な響きと、明るく躍動的なリズム感とを併せ持ち、以前にはなかったような多彩な音色と表情を備えるようになっている。
　首席指揮者としての１１年の間に、大植はこのオーケストラを、完璧に手中に収めた。両者にとって最良の結果が生み出されたことは疑いない。その最後の見事な総決算が、今日のマーラーの「９番」だったのである。大植としても感無量だったに違いない。
　この日本公演をもって首席指揮者を退く彼に、オーケストラは「終身名誉指揮者」の称号を捧げるという。

　なお、今日の録音はエクストンからリリースされる由。第４楽章の最後の個所で客席からの「大きな」咳が多かったので、終演後にその部分が収録し直されたはずである。先日のアルミンク＝新日本フィルの「９番」の時のような長い静寂が保たれていればよかったのだが・・・・。
　以前ザルツブルクでアバドとベルリン・フィルがこの曲を演奏した際、最後の長い弱音のところで、それこそ無神経に平然と、しかも延々と咳をしていた中年の外人女が２階席にいた。さすがに場内が怒りでざわついたほどである。あれは酷すぎた。
　それに比べれば・・・・とは言え、やっぱり「咳とクシャミと紙の音」はいけない。

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２００９・６・２７(土)新国立劇場　清水脩「修禅寺物語」

　　　新国立劇場中劇場

　｢修禅寺物語｣（修善寺ではない）は、岡本綺堂の新歌舞伎を原作として清水脩により作曲され、１９５４年に初演された、日本オペラの古典的名作である。
　初演は関西歌劇団で、指揮は朝比奈隆だったという！　どんな演奏だったのだろう？

　新国立劇場がこのオペラを取り上げたのは、もちろん今回が最初。
　若杉弘が芸術監督として指揮するはずだったが、周知のように惜しくも病を得てしまったため、外山雄三が代わって指揮した。
　歌手にとって歌いやすい指揮なのかどうかは別として、彼が指揮した東京交響楽団の演奏は、非常にがっしりとして、堂々たる造りに聞こえたのはたしかである。この作品のオーケストレーションがこれほど分厚く豪快なスケールを持つものだったかということを今回初めて実感、清水修の音楽についても再認識させられた次第である。

　演出は坂田藤十郎で、歌舞伎のスタイル――というより、彼がプログラムにも書いているように、歌舞伎における｢日本的なもの｣の心を取り入れた舞台と言っていいのかもしれない。
　音楽が西洋的手法（それもやや保守的な）で作られているため、それと歌舞伎スタイルの演出とが果たしてマッチするのか、あるいは不調和ゆえの面白さとなるのか、そのへんは複雑な問題を含むだろう。ただ、これはこれで楽しかったことは事実だ。

　欲を言えば、面作師の夜叉王が自己の芸術に役立てようと瀕死の娘かつらの顔を写生にかかるラストシーンは、もっと鬼気迫る雰囲気（「地獄変」の物語のように）が舞台に欲しいし、娘が「あい」と答えて顔を上げるあたりにも、同様に惨酷な凄味が欲しい。
　だがこれは、演じた歌手の演技力の問題かもしれない。
　舞台美術（前田剛）はおそろしく古風な、初演の時にはかくこそありしか、といった感じのものだった。

　今回は字幕がついていたが、この助けを借りないと何を歌っているんだかよく解らない歌手、見なくても完全に解る歌手、いろいろである。
　その中では、源頼家を歌った福井敬が、さすがに歌詞も明瞭で声も楽々と伸び、立居振舞も雰囲気充分だった。
　また、夜叉王を歌った木村俊光も（高音域はやはり苦しくなったが）歌詞は明快に聴き取れる歌いぶりである。前記のラストシーンを別とすれば、このような日本の――いっこくものの老人を演じて、見事にベテランの味を出していたといえよう。
　頼家を庇って戦い命を落すかつら役の横山恵子と、その妹かえで役の天羽明惠は、声は充分だが、歌詞をもう少し明確に歌ってくれれば――。
　その他、かえでの婿・春彦役に樋口達哉、頼家の警護を担当する武士の下田五郎景安に土崎譲、修禅寺の僧に竹澤嘉明、北條方の武士・金窪兵衛尉行親に若林勉。

　ともあれ、貴重な意義深い上演であった。世界に通じるものであろうとなかろうと、われわれ日本のオペラ観客にとっては、昨年の｢黒船｣と同様、このような先人たちの優れた作品を水準の高い演奏で見直し、再認識する機会が絶対に必要である。その意味でも――指揮はできなかったが――芸術監督・若杉弘の企画力を讃えたい。
　いつかこのオペラが現代的な舞台装置と演出で上演される時代が来るといいが。

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２００９・６・２６（金）チョン・ミョンフン指揮東京フィルハーモニー交響楽団
ヴェルディ：　歌劇「椿姫」（演奏会形式上演）

　　　サントリーホール

　事前の広報資料やプログラムには「椿姫より」となっていたので、聴きどころだけの抜粋かと思っていたら、慣習的な省略個所はあるものの、事実上の全曲演奏だった。

　チョン・ミョンフンは、全体に速めのテンポで、しかも歯切れよく小気味よいリズムで追い上げる。引き締まった演奏だ。
　オーケストラから劇的な表現を引き出す手法においても、チョンはすこぶる細かい。ヴィオレッタを支える音楽は常に優しく流麗に、またジェルモンやアルフレードの怒りを描く個所では弦に極めて鋭いスタッカートを奏させるといったように。これらは既にスコアに書かれているものだが、その通りに対比させて演奏しない指揮者も、少なからずいるのである。

　東京フィルも、バランスが良くしっとりとした、しかもふくよかな音色でチョンの指揮に応えていた。こういう演奏を新国立劇場のピットでも聴かせてくれていれば、文句ないのだが――。
　先日のヴェルディの「レクィエム」といい、ブラームス～シェーンベルク編の「ピアノ四重奏曲第１番」といい、東京フィルは、チョン・ミョンフンの指揮の下では、とにかく並外れて見事な演奏をする。

　今回の「椿姫」公演は３回。前日に東京オペラシティで演奏したばかり。
　その疲れのせいなのかどうかわからないが、２人の主役――マリア・ルイジア・ボルシ（ヴィオレッタ）とダニール・シドーダ（アルフレード）が、何となく精彩を欠いていたのではないか？
　それでもボルシの方はたいへん柔らかく美しい声で、ジェルモンとのやり取りの個所などでは見事なカンタービレを聴かせていた。が、シトーダの方には、以前マリインスキー・オペラで歌ったレンスキー役の時のような声の張りや伸びが、今回はほとんど聴かれなかった。
　しかも、２人とも歌詞があまり明瞭に聞き取れないきらいがある。それゆえ、余計オーケストラに声が埋没したような印象を生み、もどかしさを感じさせたのかもしれない。

　が、この中に父親ジェルモン役のワシーリー・ゲレロが登場すると、途端に伸びのある声と比較的明晰な歌詞の発音とが響きはじめ、音楽が引き締まって来る。
　共演はフローラに渡辺玲美、ガストーネ子爵に二階谷洋介、お手伝いアンニーナに松浦麗、医師グランヴィルにタン・ジュンボ、ほか。主役２人より、これら脇役陣の方が歯切れのいい歌唱だったようにさえ思えたほどだ。
　なお、前日も聴いたという２，３の方の意見では、主役歌手の出来は前日の方が格段に良かったとのことであった。
　合唱は新国立劇場合唱団。
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２００９・６・２４（水）ボリショイ・オペラ　
チャイコフスキー「エフゲニー・オネーギン」

　　　東京文化会館大ホール
　
　近年、日の出の勢いにあるドミトリー・チェルニャコフの演出。
　以前マリインスキー劇場で観た「皇帝に捧げし命」はなかなかに才気あふれる演出だったが、ベルリン州立歌劇場での「ボリス・ゴドゥノフ」があまりに騒々しい舞台だったので、今回はどうかなと一抹の不安も抱いて出かけた次第。
　しかし出来栄えはどうして、実によく考慮された舞台であった。オリジナルを若干変えてはいるが、話の辻褄は完璧に合っている。演出上のバランスの良さでは、コンヴィチュニーのそれを大きく上回るだろう。チェルニャコフも成長したものである。

　全篇を通じて、大きなテーブルのある現代の大広間が舞台となっており、人々は実によく飲み、よく食べる（双眼鏡で見たら、本物のケーキを食べていた）。オネーギンが歓待されたり、冷たく疎外されたりする模様が、この会食の客たちによって明快に描かれている。
　オリジナルではラーリン家の集いで長々と祝賀の歌を歌うトリケの役を、今回は何とレンスキーが余興として演じるという設定になっているのが面白い。
　またオネーギンは第２幕冒頭でタチヤーナに花と命名祝いの品を贈ろうとするのだが、彼に振られた余波の残る彼女の怒りの表情に遭い、不貞腐れて帰ろうとする。これがのちにオリガを踊りに誘ってレンスキーを怒らせる伏線となるわけだ。このあたりのもろもろの伏線を描く演技と顔の表情が、非常に細かく設定されているのがいい。

　演出上の最大のユニークなアイディアは、レンスキーの怒りに対し人々が「いまどき〈決闘〉なんて、あいつは冗談を言っているのだろう」と、誰一人本気にせず、ゲームか余興として芝居に協力したりしているうちに、いつの間にかそれが冗談ではなくなるというストーリーになって行くくだり。
　時を現代に置き換えての設定となれば、そもそもピストルで決闘するなどという話はありえないのだから、この読み替えは筋が通っている。

　それゆえレンスキーの辞世のアリアは、彼が詩人であるがゆえに、単なる詩としてしか周囲の人々には受け取られない。
　「決闘」も、レンスキーから投げ渡された猟銃（？）をオネーギンが「馬鹿をやるんじゃない」とばかり突き返し、これが争いに発展するうちに銃が暴発してレンスキーが死んでしまう、という設定である。友人同士の諍いのこのような展開は、たしかに一つの解釈であろう。
　原作でもオペラでも、オネーギンというキャラクターが複雑さを極めるものだけに、それこそ千変万化の解釈や読み替えが可能になる。それが面白いところだ。

　オネーギンにはウラジスラフ・スリムスキー。怒ったキューピーみたいな顔立ちなので、ちょっとコミカルに見えるのが問題か。タチヤーナはタチヤーナ・モノガローワ、レンスキーにアンドレイ・ドゥナーエフ。３人とも若い世代だ。安定した歌唱という点では未だしの感があるが、フレッシュなところはいい。

　指揮は、劇場音楽監督のアレクサンドル・ヴェデルニコフ。１０年前の内紛で傾きかけていたボリショイ劇場の音楽水準を、よくぞここまで復調させたものである。
　彼が就任した直後、新日本フィルに客演するために来日した際に話を聞いたことがあるが、就任の経緯について、彼はこう語っていた――打診が来た時、「火中の栗を拾う」ことに躊躇し、迷いに迷ったあげく、有名な音楽家（バス歌手・指揮者）だった同名の父に相談したそうだ。すると、父は次のように答えたという。

　「お前は断りたいのだろう。当然だ。だれでもそう思う。断るのは簡単だ。だが、お前が齢をとってから、もしもあの時引き受けていれば、伝統あるボリショイ劇場を自分が建て直すという名誉を担うことができたかもしれないのに――と後悔することはあるかもしれんぞ。そういうこともよく考えて、お前が自分自身で決めればいい。わしがお前に言うことはそれだけだ」。
　これでヴェデルニコフは、ボリショイ劇場音楽監督を引き受けようと決心したのだという。

　今回の上演は２部構成。第１部として、通常の第１幕と第２幕――計１２０分が、切れ目なしに上演された。これはチト長い。しかし、退屈させられることは無かった。

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２００９・６・２３（火）吉野直子（ｈｐ）＆クレメンス・ハーゲン（ｖｃ）

　　　サントリーホール　ブルーローズ（小ホール）

　「響きあう刻（とき）」と題された、ハープとチェロの美しいデュオ。

　ドビュッシーの「チェロとハープのためのソナタ」（原曲はチェロとピアノ）で始まり、次いでハープのソロによる「月の光」と「ロマンティックなワルツ」（リリー・ラスキーヌ編）と続く。
　このドライなアコースティックの小ホールでは、チェロの音はどんな時にもシャープに生々しく響くが、ハープはあくまで玲瓏な響きを失わない。

　私にとっては昔、ラスキーヌの演奏したＬＰレコードをうっとりと聴き続けた時代から、ハープはソロ楽器の中で最も好きな楽器になっている。とりわけドビュッシーの作品と来れば、今夜のような暑い夏の夜には、最高の清涼剤である！　
　そのあと、ユン・イサンの「二重奏曲」（１９８４）が演奏されたが、これは不思議に爽やかな作品。ユンの叙情的な側面が発揮された曲だろう。

　それにしてもドビュッシーの作品というのは、管弦楽、室内楽、ソロ曲を問わず、現代音楽と組み合わせ、それに先立って演奏されるのにぴったり合う、という不思議な力を持っている。これまでいくつの演奏会で、そういうプログラムが編成されて来たことだろうか。
　もちろんそれは、ドビュッシーの曲が現代音楽への序奏としてちょうどいい、などという意味では全くないのだが。
　ここまでの第１部が終ったところで、都合のため辞す。

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